viernes, 22 de julio de 2011
miércoles, 20 de julio de 2011
lunes, 18 de julio de 2011
ALBERTO HEREDIA (1924 – 1999)
Autodidacta , hizo esculturas figurativas ente 1948 y 1952, destacándose por algunas cabezas de arcilla de rara expresividad, y adhirió luego a la tendencia geométrica: con estas obras realizó su primera muestra individual en 1960. Poco después viaja a Europa, y se detiene sucesivamente en Madrid, Amsterdam -donde toma contacto con Karel Appel y otros ex integrantes del grupo CoBrA, que en 1948-51 formuló un aporte sustancial a la Nueva Figuración-, y París: aquí empieza a elaborar su serie Cajas de Camembert, en 1962, que completa y exhibe el año siguiente, en Buenos Aires. Es esta el comienzo de una obra personalísima, que destaca a Heredia: con elementos de desecho, objetos auténticos materiales pobres y técnicas sorprendentes, viene expresando una crítica social aguda y lacerante, donde nunca falta la ironía.
Alberto Heredia ha dicho: alcanzo con esta serie "mi gran libertad". Fue, en todo caso, la primera de sus grandes metáforas acerca de los aspectos siniestros del mundo contemporáneo, observados a partir de la Argentina. Las cajas utilizadas por Heredia para la serie de 1962-63 eran reales, pero habían sido llenadas con artículos cotidianos, que el espectador descubría al abrirlas, como se le invitaba: trapos, huesos, hilos, papeles, botones, muñequitos de celuloide, pelos. Al transformarse el contenido de estos envases verdaderos, el artista hacía de ellos figuraciones del útero materno, el habitáculo humano y aun la tumba. Sin embargo, fundamentalmente aludía a la vida del hombre, prisionero de sí mismo y de los objetos que lo circundan y agobian. La cultura del consumo y el desperdicio aparecía así en su negatividad, en su indolencia, mostrando al hombre como un simple residuo más.
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| De la serie Amordazamientos. |
miércoles, 13 de julio de 2011
martes, 12 de julio de 2011
El arte del cuerpo.
http://www.cuerpospintados.com/Artistas/artistascuerposp.html
http://artesvisuales31.blogspot.com/2008/03/el-cuerpo-humano-en-la-imagen.html
http://guillermosequera.wordpress.com/2011/02/15/el-arte-del-cuerpo/
http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lap/sanchez_m_r/capitulo2.pdf
http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lap/lemarroy_g_ms/capitulo2.pdf
http://emapucci.wordpress.com/2011/06/22/human-bodies-el-arte-del-cuerpo-humano/
El cuerpo humano entre el arte y los medios de masas en el tránsito del siglo XX al XXI
http://artesvisuales31.blogspot.com/2008/03/el-cuerpo-humano-en-la-imagen.html
http://guillermosequera.wordpress.com/2011/02/15/el-arte-del-cuerpo/
http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lap/sanchez_m_r/capitulo2.pdf
http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lap/lemarroy_g_ms/capitulo2.pdf
http://emapucci.wordpress.com/2011/06/22/human-bodies-el-arte-del-cuerpo-humano/
El cuerpo humano entre el arte y los medios de masas en el tránsito del siglo XX al XXI
Autores: David Ferrara Garro
Directores de la Tesis: Carlos Plasencia Climent
Lectura: En la Universitat Politècnica de València ( España ) en 2008
Resumen:
El cuerpo humano ha sido, desde siempre, objeto de estudio y ha sido usado como expresión por los artistas en ese continuo redescubrirniento del mismo visto a través de sus diversas prácticas y representaciones; de su belleza seductora, de su carnalidad, de su mortalidad, de su agresividad...
En un contexto como el actual en donde el término de arte se diluye cada vez más, el artista/creativo se ceba en el cuerpo convirtiéndolo en su campo de batalla para plasmar las transgresiones de los convencionalismos relacionados con a la enfermedad, la muerte la sexualidad o la violencia; así como también en un parque de atracciones para los sentidos, intensificando emociones en producciones artificiosas ligadas al espectáculo mediático a través de un cuerpo que trasciende de sus límites y que ha provocado la expansión de la imaginación colectiva a través de una serie de nuevos mitos que los medios de masas se han encargado de expandir.
Las diversas concepciones que giran entorno a lo corporal durante estos años, se han visto potenciadas a otros espacios fuera de ámbitos tan elitistas como son el arte, la filosofía, la sociología o la medicina; espacios abiertos que se nutren de todo tipo de culturas, teorías, leyes y representaciones, para crear las suyas propias, las cuales se basan en el cuestionamiento y replanteamiento de las anteriores.
La cultura del espectáculo dada desde los medios de masas y a través de las tecnologías, canales y procesos que están a su servicio, ha supuesto un atractivo espacio para las nuevas proyecciones del cuerpo que se alimentan de las diversas problemáticas e inquietudes del ser humano (como individuo y como sociedad) para mostrar otras realidades corporales que cuestionan anteriores conceptos y creencias plasmadas en nuevas mitologías y figuraciones que dejan paso tanto a nuevos modelos de belleza exhibidos como pura sugestión a un público consumidor como a nuevos terrores a través de diversos estados de crisis representados en un cuerpo.
domingo, 10 de julio de 2011
domingo, 12 de junio de 2011
martes, 7 de junio de 2011
domingo, 5 de junio de 2011
Una pantalla de luz en el paseo marítimo de Singapur
Singapur WaterfrontFotografía de James McGhie
Esta foto fue presentada a National Geographic Traveler Concurso de Fotografía 2011.
Esta foto fue presentada a National Geographic Traveler Concurso de Fotografía 2011.
Pisando firme- caminando sobre mis huesos. MOV
En la quietud de mi taller camino y camino, algunas veces sobre elementos frágiles sintiendo que solo hay que saber pisar sin miedo, caminar con paso firme.
La llovizna suave, después de muchos días sin agua del cielo, me animó a caminar sobre mis huesos, a deconstruir mi obra, a rescatarla de sus astillas de huesos rotos, como los míos, luego de mi largo y divertido caminar por la vía, a hacerla resurgir, a resucitarla y con ella yo. Lo que en un segundo pudo consternarme, me llevó a reflexionar de manera fugaz y decidida; volví a sonreír y comprendí que mi humanidad no pesa nada, que soy liviana, que no rompo huesos, pero sobre todo aprendí a sentir "que sigo viva", igualmente me di cuenta que veo muertos, que soy frágil y vulnerable; por todo ello vivo intensamente el instante presente, amo lo que hago; procuro siempre estar en conexión con "Aquel" ser superior que lo mueve todo, Él por encima de mi cabeza.
La llovizna suave, después de muchos días sin agua del cielo, me animó a caminar sobre mis huesos, a deconstruir mi obra, a rescatarla de sus astillas de huesos rotos, como los míos, luego de mi largo y divertido caminar por la vía, a hacerla resurgir, a resucitarla y con ella yo. Lo que en un segundo pudo consternarme, me llevó a reflexionar de manera fugaz y decidida; volví a sonreír y comprendí que mi humanidad no pesa nada, que soy liviana, que no rompo huesos, pero sobre todo aprendí a sentir "que sigo viva", igualmente me di cuenta que veo muertos, que soy frágil y vulnerable; por todo ello vivo intensamente el instante presente, amo lo que hago; procuro siempre estar en conexión con "Aquel" ser superior que lo mueve todo, Él por encima de mi cabeza.
Sucedió que una de mis mascotas asaltó mi "Taller en Fa" robándose una maraña de huesos para luego dejarla abandonada en el patio, esta situación dio origen a esta acción.
sábado, 28 de mayo de 2011
“REESTRUCTURANDO ELEMENTOS DESESTRUCTURADOS”
“REESTRUCTURANDO ELEMENTOS DESESTRUCTURADOS”
Encuentro elementos desestructurados que en otro tiempo han sido estructuradores de vida; estructuras de entidades que existieron pero que ya no están y que hoy lucen desmembrados, juego con ellos tratando de de reconstruirlos, intentando recrear algunas historias precolombinas que hoy llegan al hombre y la mujer del mundo contemporáneo a través del mito y la leyenda.
En este sentido, seres que existieron, sin embargo al no estar presentes han dejado sus estructuras óseas, como vestigio de su pasaje por este mundo. Aquello que estuvo desestructurado, a través de mi intervención, se le confiere una nueva estructura, se les otorga una nueva existencia, logrando así regresar con un valor diferente al original, transubstanciados. Aquello que existió, pero que se fue, que dejó su esencia y que al irse perdió estructura, a través de la actividad plástica se le restituye una estructura distinta adquiriendo nuevamente una existencia, regresando en un tiempo y espacio diferente.
De esta forma, cuando se procesan tales estructuras óseas se entra en un diálogo de valores sensibles, emotivos; desde el mismo momento en el que se toma la decisión de apreciarlas, tratarlas con sutileza, se les infunde una carga de vida, recreando aspectos que tienen que ver con circunstancias que en el pasado pudieron haber vivido dichas estructuras. De esta forma, con el hacer se va percibiendo que cada uno de eso seres que emergen pudieron haber sido uno de aquellos ancestros que llega hoy, desmembrado, para que lo restablezca y pueda contar aquello que nunca dijo.
Es por esto que, ante la falta de exploración antropológica se centra la intención en el trabajo con huesos, considerando que esas estructuras óseas de peces, son originarias de la vida, son organismos que han existido desde hace miles de años en la madre tierra, son más antiguas, inclusive que la vida humana.
En consecuencia, el proyecto del ensamblaje es fundamental en esta obra, permitiéndose hacer una representación ilusoria de lo real, empleando la deconstrucción se alcanza una nueva manera de relacionar los mismos elementos, para que aparezca así una nueva construcción, desde donde emergen elementos fantásticos e irreales, dotados de un discurso propio. Cabe destacar que es la representación de un mito llevado a la realidad, legitimado, en donde el componente óseo, como protagonista, cobra vida propia y deja de ser un elemento desaprovechado para convertirse en la cosa que renace con un lenguaje intrínseco y particular.
No obstante, ante la escasa información de cómo fueron realmente los hechos, es preciso imaginar esa alteridad que se produjo al momento del encuentro de dos culturas tan disimiles, el descubrimiento que el uno hizo del otro, el enfrentarse a imágenes nuevas, para cada grupo, el estar ante la presencia de gentes antes insospechadas, radicalmente diferentes, y que sin embargo, aún viviendo en mundos distintos, eran participes de un mismo momento histórico.
En este mismo orden de ideas, se considera pertinente indagar sobre los pueblos aborígenes de Venezuela, el mal trato que sufrieron hasta casi llegar a ser diezmados. Sabemos que la historia ha sido manipulada, cambiada por otra que se ajusta a intereses de grupos que quieren que el ciudadano común se entere sólo de lo que les conviene, es por ello que la presente investigación pretende exteriorizar la necesidad de conocer y escudriñar sobre los orígenes de nuestra progenie, los indígenas precolombinos, cómo vivían, en qué creían, cómo manifestaban sus creencias, qué ritos empleaban, qué legado han dejado; todo esto con la finalidad de conocerlos y entenderlos un poco más y así aprendamos a amar esas raíces y tradiciones propias.
domingo, 22 de mayo de 2011
El tejido Wayú se encuentra con su equivalente Navajo - Arte y Entretenimiento - EL UNIVERSAL
El tejido Wayú se encuentra con su equivalente Navajo - Arte y Entretenimiento - EL UNIVERSAL
Una muestra de la obra textil del artista Roy Kady se expone en el estado Zulia
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El artista viaja con sus materiales y herramientas de trabajo manaure quintero
ROBERTO RODRÍGUEZ M. | EL UNIVERSAL
sábado 21 de mayo de 2011 12:00 AM
Roy Kady tiene 45 años. Desde sus tardíos 20 se dedica a la creación textil en una suerte de tributo a la tradición que aprendió de su madre y que ninguna de sus hermanas quiso asumir como propia al convertirse en mujeres "muy modernas", como narra él mismo.
"Todas las piezas cuentan una historia, es mi interpretación llena de símbolos del paisaje o la vida", dice el artista perteneciente a la tribu Navajo de los Estados Unidos.
Kady se encuentra en Venezuela por dos razones. La primera, su obra es expuesta en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia en una muestra llamada El cántico de la araña macho. Lo otro, es que será facilitador de un taller de tejido para un grupo de artesanos de la etnia wayú en Maracaibo.
Con gran serenidad y mucha modestia, Kady habla de su labor a la par que saca de una mochila los materiales y herramientas con los que trabaja para mostrarlos, orgulloso, y disponerlos para las fotografías.
"La inspiración es todo lo que me rodea", sentencia firme mientras maneja un pequeño trozo tejido en el que predominan los colores desérticos de su tierra natal en Nuevo México. Su relación con la naturaleza no la rompe ni la distancia. "En mi computadora llevo siempre fotos de los paisajes de mi tierra para no extrañarla", asegura co un ovillo color ocre en la mano.
Una de las particularidades de Kady como artista y que llama tanto la atención sobre su persona y obra, es que se involucra por completo en todas las etapas de la producción de sus piezas, desde la cría de las ovejas, el procesamiento de la lana, su coloración, el tejido y hasta la elaboración de las herramientas necesarias para todo lo anterior.
Él lo asume como algo absolutamente lógico. "Yo soy un campesino, cultivo mucha de la comida que como, crío mis propias ovejas y tengo una vida cómoda", reconoce.
Sin embargo, de lo que más podría decirse que se ufana, si lo hiciera, es de su cultura. "He conseguido mantenerme fiel a las tradiciones de mi gente que han pasado por generaciones de padres a hijos", indica.
Ante la pregunta sobre el riesgo que esas tradiciones -y en especial el tejido- corren ante las amenazas de la modernidad, él, calmado, explica: "en algún momento fue un arte perdido y parecía que iba a morir, pero gracias a personas que como yo estamos reenseñando a los jóvenes la mantemos viva y a flote", cuenta del ancestral oficio que cada día se consolida más como arte y se aleja de la categoría de artesanía gracias al interés de coleccionistas y museos.
Precisamente en plan de profesor es que Kady estará a la cabeza de un taller para tejedores wayú. Tras visitar Ecuador para una tarea similar, el artista nativo americano no esconde su emoción y espera vivir algo parecido en el país. "La presencia del colibrí en los tejidos fue una conexión que encontré con los indígenas ecuatorianos, para quienes el ave es tan importante como para nosotros los Navajo, que los consideramos como mensajeros y sanadores" cuenta.
Compartir experiencias y conocer cómo es el trabajo textil en otro lado del mundo es una de las metas de Kady, quien se adelanta y cuenta "a veces cuando tejo pierdo el sentido del tiempo, entro como en una suerte de trance y me doy cuenta de que pasé ocho horas trabajando y está allí una obra lista o adelantada, es como mágico", dice el artista detrás de piezas como tapices, cinchos, bolsos, mantas ceremoniales y hasta trajes.
Apasionado como lo es de su trabajo, relata que los Navajos tienen un ritual para bendecir las herramientas, los materiales y hasta a los propios tejedores. "Cantamos durante el trabajo para comunicarnos con los espíritus y darle más poder a las herramientas. Tratamos todo como que fueran personas, y por eso les damos un descanso cuando lo necesitan, para eso tenemos varias herramientas"
¿Es difícil estar lejos de casa tanto tiempo? "Hay tiempos en los que extraño a la familia y a mi perro pastor, pero son cosas que sé que estarán allá cuando regrese", afirma.
Una paleta multicolor para un artista obsesionado con el blanco de la luz - Qué Hay - EL UNIVERSAL
una paleta multicolor para un artista obsesionado con el blanco de la luz - Qué Hay - EL UNIVERSAL
EL UNIVERSAL
domingo 22 de mayo de 2011 12:00 AM
Margot Benacerraf inicia su carrera cinematográfica con un documental (1952) que registra momentos claves en la vida cotidiana del artista. "Reverón fue para mi una llave maestra, imagínate que hice hasta una película con Picasso después", contaba en 2009. La anécdota más curiosa es que el artista le pidió, vestido de sacerdote que perdonara a sus muñecas, de hecho, quiso que fuera el final, pero la cineasta cerró con una escena que refleja el terror que le generaron las muñecas. El documental inauguró la primera sala de arte de los Campos Elíseso, en París.
Juan Andrés Bello realiza un documental, El espectáculo del genio (2008), totalmente biográfico, que no busca arrojar nuevas luces en torno al personaje, sino traducir y ordenar lo que otros especialistas habían investigado hasta el momento. Es así que presenta imágenes de los trabajos de Benacerraf, Boulton, Anzola, Lucca y Victoriano de los Ríos; se alimenta de las investigaciones de Juan Carlos Palenzuela y Juan Calzadilla, y recoge valiosos testimonios de John Enderfield, el curador venezolano Luis Pérez Oramas y el psiquiatra Carlos Rasquin.
John Enderfield fue el curador de la muestra de 2007 en el MoMA. La exposición recibió casi 400 mil visitantes. Para la ocasión se editó un catálogo ilustrado con más de 100 obras, con ensayos de Enderfield y Pérez-Oramas. Igualmente se celebró un simposio con el tema Reverón ¿Otra modernidad?. "Reverón es un artista completamente distinto a los que se han exhibido en el MoMA", podía leerse a la entrada, lo cual ratificaba Enderfield: "Nunca había visto nada así: de los casi invisibles paisajes a las extraordinarias composiciones figurativas... (Reverón) es uno de los grandes pioneros del arte moderno".
Juan Carlos Palenzuela comenzó a trabajar en 1999 en una investigación en torno al artista que desembocó en el libro Reverón. La mirada lúcida (2007). Cual detective encontró detalles como las notas obtenidas en la academia de arte, las reseñas de sus exposiciones, sus viajes en barco y la esquela que su padre le escribió antes de morir.
Citibank reeditó en 2007 Exposición retrospectiva de 1955, un catálogo que reúne, además de las obras expuestas, el texto que Alfredo Boulton escribiera para la ocasión, "Armando Reverón, o la voluptuosidad en la pintura", donde explica la conocida clasificación de la obra reveroniana por etapas; así como un texto introductorio de María Elena Huizi.
Alí Primera escribió en los 70 una canción dedicada al "titiritero". "La desnudez de un delirio / te la pagaban con ron / cuando vivo no valías / de Bellas Artes ni hablar. Hoy llevan de castillete / cuadros para el gran salón / te codeas con El Greco / con Picasso y con Renoir", cantaba.
José Ignacio Cabrujas también fue cautivado por el misterio de Reverón y le dedica en 1990 la obra Autorretrato de artista con barba y pumpá, montada por colectivos como el Theja. Reverón conversa con su psiquiatra en el patio del sanatorio. En sucesivas escenas, sin continuidad temporal van apareciendo personas que definieron su vida: la madre del artista, la prometida que murió sorpresivamente, Junita y su mentor ruso, Ferdinandov.
Juan Andrés Bello realiza un documental, El espectáculo del genio (2008), totalmente biográfico, que no busca arrojar nuevas luces en torno al personaje, sino traducir y ordenar lo que otros especialistas habían investigado hasta el momento. Es así que presenta imágenes de los trabajos de Benacerraf, Boulton, Anzola, Lucca y Victoriano de los Ríos; se alimenta de las investigaciones de Juan Carlos Palenzuela y Juan Calzadilla, y recoge valiosos testimonios de John Enderfield, el curador venezolano Luis Pérez Oramas y el psiquiatra Carlos Rasquin.
John Enderfield fue el curador de la muestra de 2007 en el MoMA. La exposición recibió casi 400 mil visitantes. Para la ocasión se editó un catálogo ilustrado con más de 100 obras, con ensayos de Enderfield y Pérez-Oramas. Igualmente se celebró un simposio con el tema Reverón ¿Otra modernidad?. "Reverón es un artista completamente distinto a los que se han exhibido en el MoMA", podía leerse a la entrada, lo cual ratificaba Enderfield: "Nunca había visto nada así: de los casi invisibles paisajes a las extraordinarias composiciones figurativas... (Reverón) es uno de los grandes pioneros del arte moderno".
Juan Carlos Palenzuela comenzó a trabajar en 1999 en una investigación en torno al artista que desembocó en el libro Reverón. La mirada lúcida (2007). Cual detective encontró detalles como las notas obtenidas en la academia de arte, las reseñas de sus exposiciones, sus viajes en barco y la esquela que su padre le escribió antes de morir.
Citibank reeditó en 2007 Exposición retrospectiva de 1955, un catálogo que reúne, además de las obras expuestas, el texto que Alfredo Boulton escribiera para la ocasión, "Armando Reverón, o la voluptuosidad en la pintura", donde explica la conocida clasificación de la obra reveroniana por etapas; así como un texto introductorio de María Elena Huizi.
Alí Primera escribió en los 70 una canción dedicada al "titiritero". "La desnudez de un delirio / te la pagaban con ron / cuando vivo no valías / de Bellas Artes ni hablar. Hoy llevan de castillete / cuadros para el gran salón / te codeas con El Greco / con Picasso y con Renoir", cantaba.
José Ignacio Cabrujas también fue cautivado por el misterio de Reverón y le dedica en 1990 la obra Autorretrato de artista con barba y pumpá, montada por colectivos como el Theja. Reverón conversa con su psiquiatra en el patio del sanatorio. En sucesivas escenas, sin continuidad temporal van apareciendo personas que definieron su vida: la madre del artista, la prometida que murió sorpresivamente, Junita y su mentor ruso, Ferdinandov.
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