domingo, 24 de abril de 2011

http://documentalpark.wordpress.com/2009/10/29/documental-la-burbuja-del-arte-contemporaneo/


Documental: La burbuja del arte contemporáneo.

El documental “La burbuja del arte contemporáneo”, es una producción de Ben Lewis TV, de 58 minutos de duración, dirigido por Ben Lewis que ahonda en el mercado del arte contemporáneo y la burbuja económica que se ha creado a su alrededor.

El mercado del arte contemporáneo está inmerso en una burbuja que no ha parado de crecer en los últimos años. Muchos inversores han usado las obras de nuevos autores como una forma de especular y conseguir así mayores beneficios económicos o conseguir disminuir sus impuestos.

Durante el 2008 el comentarista de arte Ben Lewis intentó dar una respuesta a la espectacular subida que estaba experimentando el mercado del arte contemporáneo, recorrió las casas de subastas, galerías e incluso casas de grandes coleccionistas como José Mugrabi que posee 800 obras firmadas por Andy WarholLa nueva crisis económica mundial parece no afectar a este mercado repleto de nuevos valores en forma de arte.


E-Link:

Ana Mendieta - Anclada en el cuerpo y en la naturaleza, a medio camino entre el body art, el land art y el arte conceptual, su fascinante obra posee asimismo una decisiva dimensión ritual y religiosa.

http://www.fundaciotapies.org/site/spip.php?rubrique214




Ana Mendieta

Ana Mendieta
Fireworks on a bamboo goddess figure are set alight


















La muerte prematura de Ana Mendieta y el carácter efímero de sus creaciones han contribuido a que su obra, poética y crítica al mismo tiempo, se conozca de un modo insuficiente en la actualidad. Nacida en La Habana en 1948, en una familia acomodada, fue enviada a Estados Unidos a los doce años junto con su hermana Raquelín, y se crió en distintos orfelinatos americanos.

Ana Mendieta
Fotograma de Body tracks

































Las condiciones en que creció -el exilio, la pérdida y la marginación, como mujer y como hispana- conformarían su producción artística posterior, aunque sin caer nunca en actitudes panfletarias o particularismos autobiográficos. Mendieta asume un compromiso con su cultura de adopción, y a través de su obra articula una crítica de la sociedad que la rodea, con un fuerte contenido político feminista y en defensa de la identidad de las minorías.
Las primeras performances de esta artista se gestan durante su etapa de formación universitaria en Iowa, hacia la segunda mitad de la década de los setenta. En aquel momento se preconiza una obra de arte menos objetual, más interactiva con el paisaje natural y urbano, más experimental y mucho menos exigente con la permanencia física. De ahí la falta de interés de Mendieta por la resolución estética frente a su compromiso con los materiales y el proceso.
Desde los inicios de su actividad artística, el cuerpo tiene una presencia destacada en la obra de Ana Mendieta: constituye su tema y su obsesión. La artista se siente atraída en particular por el cuerpo de la mujer, que para ella es el sujeto pasivo de la violencia, el erotismo y la muerte, y a la vez es el instrumento y el material para la producción de arte. De acuerdo con esta premisa, su propio cuerpo se convierte en eje de sus performances, acciones que parten de la misma idea del cuerpo femenino como víctima del crimen y la violación, pero también como lugar sagrado. En este sentido, las performances de Ana Mendieta son auténticos rituales de purificación, donde la sangre, con sus connotaciones mágicas y sus claras alusiones al sacrificio, asume un protagonismo inquietante. En Death of a Chicken (Iowa, 1972), la artista, completamente desnuda, decapita un pollo y lo deja desangrarse a la altura de su pubis. Sin duda, la fascinación de Mendieta por la leyendas y prácticas religiosas afrocubanas que conociera en la infancia se refleja en esta faceta de su obra. En cambio, Rape Scenerecrea el escenario de una violación y un crimen.
Más adelante, las performances de Mendieta derivan hacia una serie de obras que tituló Siluetas. En estas nuevas manifestaciones, la artista traslada su ámbito de trabajo a la naturaleza, eliminándose ella misma como objeto material de su arte. A partir de ese momento ya no le interesa tanto su propio cuerpo como la huella que deja ese cuerpo. Inicia así un período de intensa relación con los cuatro elementos básicos de la existencia orgánica: la tierra, el fuego, el aire y el agua. Mediante las Siluetas, la artista juega con la dialéctica presencia-ausencia. La pisada, los contornos de un cuerpo realizados con ceniza, velas, flores, nieve o tierra aluden constantemente a las relaciones entre la muerte y la resurrección. Se trata de un retorno de la artista a la tierra, de metáforas que explican el regreso al útero (la madre que se quedó en Cuba), de un enterrarse en la tumba (muerte), de la regeneración de la vida (la silueta del cuerpo dibujada con flores), y en definitiva, de la libertad.
La exposición que presentaba la Fundació Antoni Tàpies se concebió con un carácter retrospectivo. Básicamente, constaba del material gráfico (películas y fotografías) que Ana Mendieta realizó para ilustrar y documentar su obra. Por otra parte, se recrearon tres instalaciones o SiluetasBurial of Ñáñigo (Nueva York, 1976), y dos obras sin título que datan de 1977 y 1978, creadas en Iowa. La muestra recogía asimismo esculturas y dibujos realizados entre 1981 y 1985, el año de su muerte.

martes, 5 de abril de 2011

Campos Biscardi - SURREALISMO POÉTICO EN EL VENEZOLANO

http://www.latinartmuseum.com/campos_biscardi.htm


CAMPOS BISCARDI

La visión del monte Ávila adquiere en el venezolano José Campos Biscardi categoría de símbolo. Ese símbolo, sin embargo, es asaltado y exaltado por el pintor desde vertientes múltiples, como si todos los caminos condujeran a esa montaña que se yergue imponente sobre Caracas y sobre el alma llanera del venezolano, instándole a la reflexión. La devota obsesión del pintor convierte la montaña en una voz de alerta, en una atalaya, en un objeto venerable y luminoso que invita siempre al espectador a la introspección, a buscar dentro de sí ese símbolo que lleva dentro, como se lleva un escapulario o un recordatorio.

Por supuesto, como ocurre con todo símbolo, el proceso de comunicación iniciado por el artista implica una casi infinita lista de posibilidades interpretativas, de perspectivas, de visiones, de alusiones. Una técnica depurada, y un color etéreo y evanescente hacen de la pintura de este venezolano una de las más apreciadas en el arte latinoamericano de hoy.

sábado, 2 de abril de 2011

Aguafuertes de Joan Miró

Joan Miro Grabados Aguafuertes Lapidari Balays venta
"LAPIDARI - BALAYS"
Aguafuerte de Joan Miró


El aguafuerte es considerado una de las técnicas calcográficas indirectas.
Las técnicas de grabado calcográfico son múltiples y se clasifican en dos grandes grupos en función del sistema utilizado para incidir sobre las planchas. Así distinguimos los procedimientos de grabado directo y los procedimientos de grabado indirecto. 
Los métodos directos son aquellos en los que las incisiones se realizan con una herramienta . En los indirectos la incisión es el resultado de la acción corrosiva de un ácido.
Para hacer un grabado al aguafuerte, se recubre una plancha de metal con una sustancia protectora con base de cera, resistente a los ácidos. El artista dibuja la imagen sobre la lámina con una punta metálica muy afilada que va eliminando la capa de cera por donde va pasando. A continuación se sumerge la lámina en un baño de ácido. La acción del ácido disuelve la zona de metal dibujada que se ha quedado sin protección; el tiempo de inmersión de la lámina en el ácido determina la profundidad de la línea en el grabado al aguafuerte.

Joan Miro Les Mains Sales Grabado Aguafuerte Aguatinta se vende



Les Mains Sales"
1975
74.5 x 114 cm (a sangre)
Tirada de 50 ejemplares
Numerado y firmado a mano
Joan Miro Rupestre Grabado Aguafuerte se vende




















"Rupestre VII"

1979
76 x 56 cm (a sangre)
Tirada de 30 ejemplares
Numerado y firmado a mano.


Grabados - PICASSO

http://www.grabados-chillida.com/pablo picasso grabados litografias obra grafica


http://www.grabados-chillida.com/Pablo-Picasso-El-Entierro-del-Conde-de-Orgaz.pdf

miércoles, 9 de marzo de 2011

Muñeco grosero 07.mov

Don Gollo nos muestra su buen humor y nos presenta estos juguetes a los que él 

llama  

"Muñecos groseros" Este tipo de obra entra dentro del movimiento Junk art 

ya que él utiliza todo lo que encuentra a su paso y lo transforma en objeto de a

r

te.




Junk art


Término acuñado por L. Alloway para designar al movimiento americano de los años cincuenta que surge como reacción al idealismo del expresionismo abstracto.


Introduce en sus obras materiales sin valor, desechos, basura y otros desperdicios urbanos, bajo la forma de assemblages, detritus urbanos y objetos de consumo recuperados. Representa una rebelión contra la doctrina tradicional de materiales nobles y un deseo de mostrar que las obras de arte pueden crearse aprovechando objetos humildes y despreciables. A menudo asociado al neo-dadaísmo, nace con la Combine- Paintings de Rauschemberg y, hasta 1962 constituye el medio en el que el assemblage evoluciona hacia los environments y los happenings, en el cuál se desarrolla el interés por el objeto cotidiano que lleva al arte pop. El Junk Art de los EE.UU tuvo sus analogías con la obra de Tàpies y otros artistas en España, Burri y elarte povera en Italia, y movimientos similares en la mayoría de los países europeos y en Japón, donde la chatarra y los desperdicios dejados por la guerra son transformados a veces como uso artístico. Los artistas junk más destacados son Dine, Oldenburg, Kaprow, Grooms, Samaras, Di Suvero, Stankiewics o Chamberlain.

http://www.masdearte.com/index.php?option=com_content&view=article&id=7875&Itemid=8

RETROVISOR19 - Alberto Acinas

LAPIEZA - CHARCA - ALBERTO ACINAS

http://www.somosmalasana.com/vecinos-de-malasana/estetica-relacional-y-socioplastica-en-malasana-reactivando-las-relaciones-vecinales/

Estética relacional y socioplástica en Malasaña: reactivando las relaciones vecinales

2 Octubre 2010 escrito por Vecinos 

Por Daniel Martín Bayón


Escaparate de Lapieza | Foto: Lapieza
Desde hace unos años, y en diferentes contextos, se viene produciendo una creciente focalización del interés en losprocesos relacionales e intersubjetivos. La psicología, la sociología, la biología o la neurociencia, entre otras disciplinas, dejan de centrarse en las entidades concretas que convencionalmente se definían como individuos, para pasar a interesarse por la fluida red de relaciones en las que se insertan.
El arte tampoco es ajeno a este cambio de paradigma que supone desplazar los límites del hasta ahora estrecho concepto de individuo, para incluir en él las relaciones que establece. Desde hace muchos años se plantea el objeto artístico como interactuando con los diferentes sujetos que lo rodean e incluso inmerso en su propia red de relaciones significativas. En este sentido se ha desarrollado toda una teoría centrada más en la recepción de la obra de arte que en su producción. Pero aún así, se han mantenido las diferencias entre obra-objeto, sujeto-productor y sujeto-receptor. En los últimos 10-20 años, sin embargo, y en estrecha relación con tantos factores que es imposible analizarlos en este espacio, existe un tipo de representación artística que pretende borrar también estos límites, proponiendo un tipo de arte que consiste precisamente en la relación.
Si en el acontecer de esta relación se genera algún tipo de objeto artístico, éste formará así mismo parte de la relación y de la obra, pasando a enriquecer aún más la red relacional, pero la mera producción de objetos no es en sí misma la finalidad. Una característica de este tipo de arte relacional, es la preocupación generada por la percepción del empobrecimiento general de la esfera relacional mediada por la globalización y por las formas de relaciones impuestas. No se trata de preferir formas arcaicas u obsoletas de relación frente a innovaciones tecnológicas en este ámbito, sino de la resistencia ante la reducción forzada del repertorio. Desde estas perspectivas se entiende que el desmantelamiento de algunos modos relacionales obedece a intereses que pretenden desarticular la capacidad generativa social, de forma que, relaciones potencialmente transformadoras son sustituidas porrelaciones cómodas, sin conflictos y acríticas.
Muchas propuestas de arte relacional, por lo tanto, al promover un reestablecimiento de repertorios relacionales que conduzcan a la generación de cambios sociales, incluso a nivel microlocal, reactivan movimientos a nivel vecinal y de barriocon vistas a recobrar todo su potencial transformador.

Lapieza y su intensa actividad relacional

En el barrio de Malasaña está teniendo lugar una actividad relacional intensa que se despliega desde el espacio LAPIEZA en la calle Palma 15. En ocasiones anteriores nos hemos referido a este espacio del barrio como uno de los más dinámicos en lo relativo a la génesis de ecologías culturales. Quizás sea necesario explicar algo el
funcionamiento de este sitio. Se trata de una sala que, como su nombre indica, presenta una “pieza” constituida a partir de las aportaciones que diferentes personas realizan. Esta pieza se va transformando, en paralelo a la relación que se va estableciendo en el seno del espacio. Pero además, el ámbito relacional sale al encuentro de la calle, en actividades culturales-relacionales periódicas comoPalma Central, evento que agrupa a diversas entidades culturales de la calle Palma una vez al mes.
Pero volvamos a LAPIEZA. Allí, a través de “mutaciones” periódicas, el conjunto de la instalación (formada, recordemos, por las aportaciones de diversos productores)se va transformando a un ritmo creciente mediante estrategias de acumulación y de lo que N. Borriaud denomina semionáutica. La semionáutica es el proceso por el cual se establecen nuevas vías de comunicación entre signos de distinto tipo. Desde esta perspectiva, el arte en LAPIEZA deja de ser un proceso de generación de objetos para pasar a ser una actividad dedicada a establecer nuevas conexiones y sentidos entre los distintos signos que nos rodean.
Dado que LAPIEZA se autodefine con vocación “socioplástica” y como espacio dedicado al Junk Art, es evidente que las nuevas conexiones y sentidos que se generan en su ámbito tienden a intentar hacer conscientes los procesos sociales y a intervenir sobre ellos, para lo cual se emplean estrategias tales como la performance y diversas actividades que podrían encuadrarse en el arte procesual, pero tampoco renuncian a la manifestación socioplástica en forma de vídeo, instalación o incluso formas aparentemente más tradicionales como pintura o escultura. Cuando así sucede, se privilegia la elaboración a partir de objetos preexistentes, y no debido a una vocación de reciclaje superficialmente ecológica, sino en el contexto de la semionáutica descrita, como forma de reintroducir en los circuitos de sentido signos prematuramente desechados que conservan poder significante para la elaboración denarrativas diversas.
Es obvio, por lo tanto, que en este proceso se generan objetos, pero su principal misión será la de servir de nexo o estación de intercambio entre signos que previamente estaban incomunicados, La socioplástica relacional que promueve LAPIEZA no se restringe a un único ámbito espacial como pueden ser los eventos organizados en la sala. Ni siquiera se limitan al espacio de la calle Palma en el ámbito del evento cultural Palma Central. Se expanden por todo el barrio de Malasañay aledaños en sinergias entre diferentes entornos, y ocupan también espacios virtuales como la comunidad relacional creada en la red social Facebook, o la blogosfera mediante el blog lapiezalapieza y todas las ramificaciones que parten de ellos.
Esperamos que en esta nueva temporada que se inaugura, LAPIEZA siga contribuyendo al enriquecimiento de la esfera relacional y a su transformación socioplástica, desde el barrio de Malasaña hasta todo el mundo globalizado.